68. Internationale Filmfestspiele Berlin
15. - 25. Februar 2018

Die Vielfalt der Film/Welt

Die Berlinale verkleinern, der Ruf nach einer strengeren kuratorischen Hand – Forderungen, die mittlerweile zum Festival gehörten wie das kalte Wetter. Angesichts des journalistischen Störfeuers im Vorfeld konnte der Eindruck entstehen, Dieter Kosslick müsse 2019 eine desolate und sinnfreie Veranstaltung an seinen Nachfolger übergeben. Dass dem nicht so war, bewiesen die Festivaltage, das Programm und die publizistische Debatte, die sich im Anschluss entspann. Klar wurde, dass die Berlinale lebte, denn ihre Einzigartigkeit stach 2018 deutlich hervor. Kritiker*innen wie Hannah Pilarczyk enthüllten der Öffentlichkeit keine unhaltbaren Zustände, die dringend revolutioniert werden müssten, sie waren einfach anderer Meinung und ihre Meinung war nicht mehrheitsfähig, wie sich herausstellte. „Das Dickicht, die Überfülle – das ist der Großstadtdschungel, das ist Berlin. Das unterscheidet die Berlinale von der hysterischen Übersichtlichkeit der Kleinstädte Cannes und Venedig [...]. Die Kritiker [...] scheitern mit ihrem Verständnis der Berlinale, weil sie schon mit ihrem Verständnis Berlins scheitern. Man sollte ihnen nicht entgegenkommen, indem man die Filmfestspiele zurückstutzt auf etwas, was dem autoritären Kleinstadtcharakter und seinen Herrschaftsfantasien entgegenkommt“, schrieb Jens Jessen am 14.02.2018 auf Zeit-Online. Man musste nur einmal frühmorgens über den Potsdamer Platz laufen, das langsam erwachende Gewimmel aus Journalist*innen, Fachbesucher*innen, Publikum, Selfie-Jäger*innen und Touristen beobachten, um die besondere Qualität und Atmosphäre des Festivals zu verstehen.

Ziel des Festivals war es nie gewesen, hermetisch abgeriegelte Expertendiskurse zu hofieren. Im Zentrum standen die Vielfalt und ein begeistertes Publikum, das die Kinosäle auch 2018 füllte.„Zeugt es nicht von cinephiler Selbstüberhöhung, zu glauben, das Publikum wolle an eine starke Hand genommen werden? Stattdessen könnte man auch darauf vertrauen, dass es die Menschen in dieser komplexen Welt schaffen, sich durch ein umfangreiches Programmheft anregen zu lassen und selbst zu orientieren“, argumentierte Wenke Husmann auf Zeit-Online (15.02.2018).

#MeToo und Diversity

Mitte Oktober 2017 beherrschte der Hashtag MeToo die sozialen Netzwerke. Er etablierte sich im Zuge der hitzigen Debatten um Geschlechterverhältnisse in der Filmbranche, die durch den Skandal um den Produzenten Harvey Weinstein ausgelöst worden waren. Weinstein war von mehreren Schauspielerinnen der sexuellen Nötigung bis hin zur Vergewaltigung beschuldigt worden. Die Affäre zog weite Kreise, auch in Deutschland, und geriet zu einem beherrschenden Themen der Berlinale 2018. Wobei Dieter Kosslick #MeToo in einen größeren Kontext stellte und Machtverhältnisse generell in den Fokus nahm. Diese Diskussionen seien „auch ein bisschen die DNA der Berlinale“ (Im Interview mit Deutschlandfunk Kultur, 15.02.2018), denn auch hier ging es letztlich um Vielfalt. Das Engagement des Festivals wurde von der Presse entsprechend honoriert: „Where else can cinema-goers find such a wide range of queer, international and political movies without working as an industry insider? Certainly not Cannes nor Venice, both of which remain privy only to those with the correct pass […]. Much like Berlin itself, the Berlinale prizes inclusivity above all else, and in this tumultuous era, it’s hard to imagine anything more important than that” (David Opie, EXBERLINER, 09.02.2018).

Nationalismus damals wie heute

Auffällig oft standen dabei die Verheerungen diktatorischer Regime im Fokus. Lav Diaz kehrte im Wettbewerb mit Ang Panahon ng Halimaw (Season of the Devil) in die dunkelsten Stunden des philippinischen Marcos-Regimes zurück. Im Panorama zeigten Almudena Carracedo und Robert Bahar mit The Silence of Others den Kampf gegen das staatlich legitimierte Vergessen des Franco-Regimes in Spanien. Ein Amnestiegesetz, das nach der Militärdiktatur in Uruguay erlassen wurde, stand im Zentrum von Unas Preguntas (One or Two Questions) von Kristina Konrad im Forum. Konrad griff auf Material zurück, das sie in den 1980er Jahren gedreht hatte, um zu zeigen, wie gelebte Demokratie damals funktionierte und heute funktionieren sollte. In ähnlicher Weise montierte Ruth Beckermann Material, das sie ebenfalls in den 1980er Jahren gedreht hatte. In Waldheims Walzer begleitete sie den – erfolgreichen – Wahlkampf des ehemaligen UNO-Botschafters Kurt Waldheim, der 1986 für das Amt des österreichischen Bundespräsidenten kandidierte. Seine Nazi-Vergangenheit hatte Waldheim zu diesem Zeitpunkt vergessen und so erschien er als die Symbolfigur eines ganzen Landes, das sich nicht als Mittäter, sondern als Opfer des NS-Regimes empfand. Waldheims Walzer beharrte, bestand darauf, genau hinzusehen und nicht zu vergessen – belohnt wurde der Film dafür mit dem Glashütte Original – Dokumentarfilmpreis. Zudem zeugte Beckermanns Film von brennender Aktualität, denn der Ruck nach Rechts und das Wiedererstarken des Nationalstaates waren überall in einer vermeintlich globalisierten Welt zu beobachten.

Dass sich bestimmte Milieus oder Individuen von der Idee der Demokratie längst verabschiedet hatten, reflektierte das 2018er Programm in vielen Facetten. Im Panorama dokumentierte Jan Gebert mit Až přijde válka (When the War Comes) die Vorbereitungen einer paramilitärischen Gruppe in der Slowakei auf einen selbst ausgerufenen Kampf der Kulturen. Schockierend wirkte vor allem die Alltäglichkeit, mit der das paramilitärische Gehabe in den Alltag der Menschen integriert wurde. In welcher Katastrophe dieses Denken münden kann, machte Erik Poppe im Wettbewerb erfahrbar. Mit Utøya 22. juli (U – July 22) schickte er die Zuschauer*innen zurück ins Jahr 2011, ins Kampfgebiet eines entgrenzten Krieges, zum Massenmord des selbsternannten Verteidigers des Abendlandes Anders Breivik, der auf den Kampf der Kulturen nicht mehr warten wollte und das Jugendzeltlager der sozialdemokratischen Partei in den Tatort eines Massakers verwandelte.

Die Revolution der Sinne

Jenseits seines Themas griff Utøya 22. juli eindrücklich auf die Bedingung jeglicher Politik, die Wahrnehmung, aus. Mit einer Lauflänge von 90 Minuten entsprach die Zeitspanne des Films derjenigen des Massakers von 2011. Poppe verzichtete auf Schnitte und so durchlebten die Zuschauer*innen das Flüchten und das Sterben der norwegischen Jugendlichen auf einer mitunter qualvollen Tour-de-Force in einer einzigen Plansequenz. Den Geschehnissen ihre Dauer zurückzugeben, machte das Leiden, die Angst fühlbar, viel stärker als es eine herkömmliche Dokumentation je vermocht hätte. Wie stark politische Implikationen mit der Form verbunden sind, zeigte auch Nesrine Khodrs Installation Extended Sea in der Ausstellung des Forum Expanded. Auch hier eine einzige, in diesem Fall starre Einstellung. 705 Minuten passiert fast nichts. Wer sich gute elf Stunden Zeit nimmt – und dies ganz besonders im Rahmen eines Filmfestivals, in denen Zeitknappheit und die möglichst große Akkumulation von gesehenen Filmen den Tagesverlauf strukturieren –, um seine Aufmerksamkeit einem einzigen Werk zu schenken, hat die Prämissen des Turbokapitalismus ganz offensichtlich hinter sich gelassen und kann auch die soziale Welt in völlig neuer Form wahrnehmen.

„Sexperimente“

Die größte Überraschung behielt sich das Festival 2018 für die Preisverleihung vor. Jurypräsident Tom Tykwer und seine Mitstreiter*innen zeichneten nicht etwa die gehandelten Favoriten im Wettbewerb aus, sondern einen „kleinen“, semidokumentarischen Erfahrungstrip aus Rumänien, den kaum jemand auf der Rechnung hatte: Touch Me Not von Adina Pintilie konnte sowohl den GWFF Preis Bester Erstlingsfilm als auch den Goldenen Bären einheimsen. Der offenherzige Umgang mit nackten Körpern, Sexualität und Intimität hatte schon bei seiner Premiere zwei Tage zuvor für Aufregung gesorgt. Einige Kritiker verließen echauffiert die Vorstellung, die Schlagzeilen schillerten in den nächsten Tagen bunt: „Gold für den Nacktschocker“ (Berliner Morgenpost), „Sexperimental-Film ‚Touch Me Not’ verstört Berlinale-Publikum“ (Rolling Stone), „Zuschauer verlassen Kinosaal wegen zu heftiger Sex-Szenen“ (Die Welt).

In Zeiten der omnipräsenten digitalen Pornoökonomie hatte Pintilie einen Nerv getroffen. Der Film fragt nach den Grundlagen dessen, was Intimität genannt wird, was sie ausmacht, wie sie gelebt wird. Angesichts der portraitierten heterogenen Körper und Persönlichkeiten – Pintilies Protagonist*innen sind auf je eigene Art psychisch oder physisch besonders – wirkt im Film nicht die Nacktheit selbst monströs, sondern eher die Normativität derjenigen „schönen“ Körper, welche im Allgemeinen die Kinoleinwand beherrschen. Pintilies Film entdeckt die Schönheit in dem, was nur allzu oft ausgeschlossen und marginalisiert wird, und war in Zeiten von #MeToo noch einmal ein äußerst nachdrückliches Plädoyer für echte Vielfalt. Die Reaktionen auf den Goldenen-Bären-Gewinner fielen hitzig und konträr aus. Peter Bradshaw nahm die Jury-Entscheidung im Guardian zum Anlass für eine persönliche Abrechnung mit dem Festival als Ganzes: „Victory for Adina Pintilie’s humourless and clumsy documentary essay underscores Berlin’s status as a festival that promotes the dull and valueless“ (25.02.2018). Tobias Kniebe schrieb in der Süddeutschen Zeitung hingegen: „Und ein Film, dem das gelingt, der ein paar Synapsen im Hirn seiner Zuschauer komplett neu verdrahtet - hat der nicht jeden Bären verdient?“ (25.02.2018).