Berlinale Shorts

Im Interview spricht Kuratorin Maike Mia Höhne über Filme, die ihre ganz eigene Sprache jenseits der Grenzen von Fiktion, Animation und Dokumentation finden, Anstöße zur Reflexion über filmisches Erzählen geben und nach einer moralischen Haltung verlangen.

Die wenigsten Filme des diesjährigen Programms halten sich an reguläre Plotmuster. Auch wenn die Narrationen einen Bogen haben, bleiben sie diffus - sehr, sehr eigen in dem was sie erzählen und wie sie es inszenieren.

Besonders deutlich wird das bei den Animationsfilmen, die nicht auf (sprach-)logisches Verstehen aus sind. Zum Beispiel LI.LI.TA.AL. würde ich als animierte Meditation bezeichnen. Der Regisseur Akihito Izuhara kreist auf existentielle Art und Weise um die Themen Natur, Zukunft und Besinnung. 2010 lief sein Film Akai Mori no Uta (The Song of Red Forest) im Programm außer Konkurrenz. Für LI.LI.TA.AL. hat er sich eine ganz eigene Sprache seiner Protagonistenwesen ausgedacht. Zunächst schreibt er die Gedichte auf Japanisch und übersetzt sie dann in die Sprache dieses Phantasielandes. Die Wesen geben sich ihr Wissen über Verse weiter. Und je öfter sie den Vers sprechen, desto näher kommen sie dem Sterben, das gehört einfach dazu. Die Aussage wird kristalline Materie, verfestigt sich. Die Materie ist der Tod. Die Beisetzung der kristallinen Verse der LI.LI.TA.AL.s gehört als Ritual zum Leben, wie der Tod.

Die Kunst sich zu konzentrieren

2011 hast Du über den Kurzfilm gesagt, dass Du ihn schätzt, weil er Themen anschneidet, statt sie auszuerzählen, unfertig bleibt, skizzenhaft...

Klassisches Erzählkino und eigene Handschriften

The End fällt gegenüber den anderen Filmen auf, wirkt geschlossener mit einem deutlichen Spannungsbogen in einer klassischen Drei-Akt-Struktur. Durch die digitale Technik und aufwendige Morphing-Verfahren ist es möglich, Gesichter im Film zu verändern oder auszutauschen. In The End wird Charlotte Rampling in ihren eigenen Filmen durch jüngere Schauspielerinnen ersetzt.

Das ist großes Erzählkino vom Feinsten. Wir alle wissen, wie der Stand der Dinge ist bei Schauspielerinnen: Wenn Du über 30 bist, hast Du es echt schwer. Formal ist The End nicht so interessant, weil er ganz klassisch inszeniert ist. Außergewöhnlich sind die Besetzung und das Schauspiel. Charlotte Rampling ist überragend in ihrer Suche nach sich selbst. Die Hauptrolle hätte nicht einfach von einer No-Name-Schauspielerin gefüllt werden können, die wiederum eine Frau darstellt, die irgendwann mal berühmt war. Der Regisseur Barcelo greift sich Charlotte Rampling und wechselt von „besetzt“ zu „ersetzt“: Er ersetzt Rampling in ihren eigenen Filmen durch andere Schauspielerinnen, die in Frankreich allesamt Stars sind.
Dass die Franzosen auch ganz unkonventionelles Kino machen können, zeigt Vilaine Fille Mauvais Garçon (Two Ships). Der Film ist viel weniger streng als The End, im Gegenteil, er ist wild und verrückt, auch mit der Kamera. Der Blick schweift über eine Party, betrachtet das ausgelassene Treiben. Die Franzosen haben immer ganz klassische Kurzfilme gemacht im Stil von The End. Aber jetzt kommt plötzlich Anderes. Die Filmemacherin von Vilaine Fille Mauvais Garçon Justine Triet ist keine an einer Filmhochschule ausgebildete Regisseurin, sondern kommt von der Kunsthochschule und hat als Bildende Künstlerin einen anderen Blick auf ihr Sujet und wie sie es abbilden will.

Wie wichtig sind die Gespräche mit den Filmemachern im Anschluss an die Premieren?

Die Gespräche sind wichtig als Ergänzung zum eigenen Film, den sich jeder Zuschauer je nach seiner Laune selbst baut. Sie erweitern das Gesehene, bedeuten einen weiteren, tieferen Schritt in die unterschiedlichen Welten hinein. Die Regisseure der Berlinale Shorts sind selten Debütanten, sondern entwickeln schon länger eigene ästhetische Sprachen. Von ihrem Suchen und Finden können sie in den Q&As berichten. Das hat sehr gut funktioniert in den letzten Jahren.
In dieser Situation wird auch ein so zarter und poetischer Film wie Enakkum Oru Per (I Too Have A Name) aus Sri Lanka funktionieren: eine Mutter versucht ihre Tochter im Kloster zu verstecken, aber die Armee macht selbst vor der Kirche nicht halt - also geht sie weiter und findet einen Ort, der nur ihr und ihrer Tochter gehört. Ähnlich wie Ein Mädchen Namens Yssabeau überschreiten und verlassen die Filmemacherinnen die realistische Abbildung von Wirklichkeit, um in anderen Räumen, die eben auch Kino sind, ihre Wahrheiten zu finden. Das Festival wird den Filmemachern Kraft geben, weiterzumachen, weiterzumachen in der Entwicklung einer eigenen kinematografischen Handschrift.
Ich verstehe es als eine meiner Aufgaben, dem filigranen, skizzenhaften Versuch, der schon etwas sehr Eigenes, Starkes in sich trägt, weiter zu unterstützen und Raum zu geben. Und es geht - wie der Gewinner des Goldenen Bären vom letzten Jahr PARANMANJANG (Night Fishing) von PARKing CHANce, PARK Chan-wook und PARK Chan-kyong aus Korea gezeigt hat- nicht um die Länge, sondern die Form, die Idee und das Wissen.